El blog de Albert Esplugas

Ingresos de la industria musical en el Reino Unido: conciertos, discos y royalties

A propósito de la discusión sobre los derechos de autor, leo esta anotación en The Times: Do music artists fare better in a world with illegal file-sharing? (vía Enrique Memeses). El artículo muestra que los ingresos por conciertos en directo se han incrementado en los últimos años en el Reino Unido y son, de lejos, la parte del negocio más lucrativa para los artistas, pues se quedan con una fracción muy importante del dinero de la venta de entradas. Este dato pone en tela de juicio la mantra de que los artistas tienen problemas crecientes para obtener ingresos por sus obras en el contexto del pirateo masivo (más bien parecen ser las discográficas las que salen perjudicadas).

El gráfico que copio a continuación desglosa la evolución de los ingresos por fuente (conciertos en directo, venta de discos y cobro de royalties de los derechos de autor) y por beneficiario (artistas y discofráficas).

Artículo en LD: El arte del capitalismo

En mi último artículo para Libertad Digital hablo del capitalismo y el arte, en particular de su financiación. Discrepo de la opinión convencional que asigna al Estado el rol de proteger la cultura, como si fuera a desaparecer en su ausencia. Ignasi Guardans, director del ICCA, da coba a este infundado temor en una entrevista para El País: sin la financiación pública no habría ni música clásica ni ópera en España. En el artículo aludo al ejemplo de Estados Unidos, cuyo auge cultural no depende esencialmente de la intervención del Estado como ocurre en la Europa continental.

Según el informe How the United States Funds the Arts de la NEA, en Norteamérica el sector privado es el principal abastecedor de las instituciones artísticas, por medio de donaciones de particulares y empresas, patrocinios y suscripciones, y pago de entradas. La financiación pública representa solamente un 13% de los presupuestos de las instituciones y organizaciones artísticas sin ánimo de lucro. Un 44% proviene de la venta de entradas, de las suscripciones a miembros y otros ingresos comerciales, y un 43% corresponde a donaciones (31% individuos, 3% corporaciones y 9% fundaciones). La financiación pública directa en el caso de las orquestas sinfónicas, por ejemplo, representa un 4% del presupuesto. Un teatro o una orquesta en Alemania recibe como mínimo un 80% de sus recursos por esa vía. El museo medio francés está casi totalmente subsidiado.

¿Son los europeos más avariciosos que los americanos, o es que nuestra estructura de incentivos es distinta?

También destaco las contribuciones que el capitalismo hace al desarrollo cultural y que a menudo son pasadas por alto.

El capitalismo favorece la cultura de muchas maneras, directa e indirectamente. Expande y descentraliza las fuentes de financiación, promoviendo la independencia económica de los artistas; abarata los costes de producción, poniendo los medios al alcance de todos; aporta innovaciones tecnológicas en la difusión y la preservación del arte, aumentando la oferta cultural contemporánea y del pasado; instituye incentivos lucrativos para satisfacer la demanda de cultura y cubrir nichos de mercado; y genera la suficiente riqueza como para que dispongamos de tiempo libre y podamos cultivar nuestras inquietudes ascéticas.

Arte con arena

Y no se trata de figuras de playa... Impresionante, vedlo entero y con sonido.

 

 

(HT: Samizdata)

Sobre la glorificación de Michael Jackson

Vía Heterodoxias leo este comentario de Jonah Goldberg en National Review, lamentando que los medios estén santificando a Michael Jackson simplemente por su condición de celebridad.

Here was a guy so many of “us” read about in People magazine for so long. His passing, therefore, isn’t a loss in the sorrowful sense of the word, but in the selfish one. It’s a loss of an interesting subject, a creature to gossip about and to fill a few minutes on E! or Entertainment Tonight. (...)

Every year at the Oscars they show a montage of people who died over the previous year. Invariably, the audience only applauds for the really famous people. This has always offended me. Not necessarily because the famous people don’t deserve praise but because it’s so clear that the audience is clapping for the fame. Michael Jackson had many accomplishments. But the press is sanctifying him because he was famous, deservedly so to be sure, but not because he was good.  So much of the coverage seems to miss this fundamental point, as if being famous made him good. 

De todos modos, no sé hasta que punto no es inevitable (y razonable) dar tributo a la celebridad antes que al desconocido, aunque solo sea porque aquélla ha formado parte de nuestra vida de un modo u otro (en el caso de Jackson, influyendo e inspirando a millones de personas, y entreteniendo a muchas más).

A José García Domínguez aún le disgusta más la repercusión que se le está dando a la muerte de Michael Jackson. Para García Domínguez se trata de un fenómeno creado por los mass media, con valor artístico o cultural trivial e insignificante.

Farrah Fawcett quería ser Dagny Taggart

Amy Wallace revela un detalle poco conocido de la vida de Farrah Fawcett, la ángel de Charlie recientemente fallecida: Ayn Rand era una de sus admiradoras, mantuvo correspondencia con ella y quería que interpretara el papel de Danny Taggart en la adaptación de La Rebelión de Atlas. Farrah sintió una gran conexión con Rand y Wallace dice que la novelista y filósofa liberal, quizás más que cualquier otra persona, ayudó a Farrah a entender su lugar en la cultura Americana.

Later, when I read Atlas Shrugged, I was reminded of my first and only conversation with Ayn and how some of the characters in her novel(s) take an immediate liking to each other, almost as if they had always known each other—at least in spirit. And this was the feeling I got from Ayn herself, from the way she spoke to me. I’ll always think of “Dagny Taggart” as the best role I was supposed to play but never did…

Roxy Paine en la azotea del Metropolitan Museum

Me encantó la exposición en la azotea del Metropolitan Museum of Art, así que le dedico una entrada con varias fotos. El autor de la enmarañada escultura es Roxy Paine. La obra se titula Maelstorm y explora la interacción entre el mundo natural y el medio construido, dando al espectador la sensación de estar inmerso en una tormenta de las fuerzas de la naturaleza. Central Park y los rascacielos alineados del midtown detrás.

Nueva York: impresiones y fotos dispersas

Es la tercera vez que viajamos a Nueva York en los últimos dos años, así que en esta ocasión nos hemos dedicado a vivir la ciudad más que a visitarla. Fuimos a la exhibición de Francis Bacon en el Met (nunca deja de asombrarme este museo), a un par de galerías del Soho y al Guggenheim (más pequeño y asequible de lo que pensaba). También fuimos a una representación de danza en el Metropolitan Opera House (donde el jet lag me pasó factura) y a una misa Gospel el domingo en Harlem. Marina es la que tiene pasión por el arte, yo tengo interés, que se agota después de dos horas de atención (parafraseando a Tyler Cowen, llega un momento en el que las personas que se pasean por el museo empiezan a parecerme tan interesantes como las obras que cuelgan de la pared).

Esta vez salimos de Manhattan para visitar el barrio griego de Queens-Astoria (la vez anterior habíamos visitado el distrito histórico de Brooklyn, bastante más recomendable). Por la noche, una copa en la animada azotea del hotel Gansevoort en el Meatpacking District (la zona chic que frecuentaban las amigas de Sexo en Nueva York) y unos cocktails en el bar South Gate de nuestro hotel (las dos últimas noches nos hospedamos en el Jumeriah Essex House con vistas a Central Park, cortesía de la empresa de mi novia; las dos primeras en un albergue cuco y céntrico pero acorde con nuestro prespuesto...).

Ya comenté en una entrada anterior que Nueva York combina tosquedad con estilo, algo seguramente extrapolable a Estados Unidos en general. A primera vista sorprende que haya tantos ejemplos de buen gusto, elegancia y vanguardismo en una sociedad tan vasta y endogámica. Pero América es en esencia heterogénea y rica en contrastes, resultado de la extraordinaria diversidad de sensibilidades, inquietudes y bagajes culturales de esta nación de inmigrantes que, no obstante, comparte un carácter emprendedor y un afán por el progreso y la superación personal.

Típica boda iraní

Ayer fui a una exposición de arte contemporéneo de Oriente Medio en la Saatchit Gallery, en Chelsea. Los artistas eran iraníes, iraquíes, libaneses, palestinos y quizás de alguna otra nacionalidad que no recuerdo. La calidad de las obras me pareció en general extraordinaria y con un evidente parentesco con el arte contemporáneo occidental, cuya influencia los autores han canalizado hacia sus propias raíces e inquietudes culturales (varios de ellos viven, además, en Occidente). Muchas de las obras eran un ejercicio de introspección en la sociedad árabe y sus valores, y abundaba la crítica social y política. Las obras iraníes eran quizás las más críticas, y me sorprendió saber que sus autores no estaban exiliados.

Destaco en particular dos piezas de Rokni Haerizadeh, que vive y trabaja en Teherán, sobre la hipocresía y las contradicciones de la sociedad iraní.

La primera es "Typical Iranian Wedding" (Típica boda iraní), que caricaturiza el festín de una boda. Hombres y mujeres están separados por una cortina: en el panel derecho (arriba) los hombres gozan de un gran banquete, música en directo, exhuberante decoración, luz tenue y predomina un ambiente de lujuria; en el panel izquierdo (abajo) las mujeres hablan y bailan, el único manjar que hay en la mesa es una pieza de pavo y el local está muy iluminado, para evitar un excesivo espíritu festivo.

Silbar en la ópera

Después de una inusual tormenta de silbatos y abucheos en el Metropolitan Opera House de Nueva York, Terry Teachout se pregunta por qué no ocurre más a menudo y si debería ocurrir más a menudo. ¿Soy el único que, sin parar de aplaudir, en varias ocasiones se ha preguntado si los actores o músicos realmente merecían cuatro rondas de aplausos?

What happened to Ms. Zimmerman, while not unprecedented, is highly unusual. To be sure, booing at the opera house is far from uncommon elsewhere in the world, especially in Italy, but American audiences are reluctant to express their displeasure vocally. I've heard a certain amount of booing at the Met, but I can't recall ever hearing a single boo at a Broadway show, a classical concert, a dance performance or a nightclub gig.

Is this a good thing? I'm not so sure -- especially when you consider what usually happens at the end of a Broadway show. Most of the theatrical performances I see in New York receive standing ovations. Time was when audiences reserved that special gesture for a performance of equally special merit, but in recent years it has become a near-reflexive response to anything short of a crash-and-burn disaster. The most popular explanation for this phenomenon is the increasingly high cost of theater tickets, the assumption being that playgoers stand up to help persuade themselves that the show they just saw was worth what they paid to see it. Whatever the reason, though, standing ovations are now the rule, not the exception.

It goes without saying that the frequency of standing ovations devalues their significance. As Gilbert and Sullivan put it in "The Gondoliers," When everyone is somebodee/Then no one's anybody! Just as important, it also points to a lack of true engagement on the part of the spectators.

Tyler Cowen también hace su aportación al debate vinculando la magnanimidad del público con la señalización.

Nota: este fin de semana estaré en Barcelona con familia y amigos, y aprovecharé para ver un poco de tenis en la previa del Godó. No creo que actualice el blog hasta el martes de la semana que viene.

4 trucos para sacarle partido a un museo

Mi anterior entrada sobre el Metropolitan Museum me ha recordado un capítulo de Discover Your Inner Economist en el que Tyler Cowen explica algunos trucos para sacarle el máximo partido a un museo teniendo en cuenta que nuestra atención es escasa. Cowen recomienda cuatro formas de afrontar esta escasez en un museo:

1. Preguntarse qué obras nos llevaríamos a casa y por qué. También hacer rankings para descubrir nuestras piezas favoritas. Todo eso nos ayuda a focalizar nuestra atención y a poner en relación nuestro "yo" con el arte. El factor "yo", dice Cowen, es esencial. No nos engañemos a nosotros mismos pensando que nos gusta el arte por el arte, a menudo nos gusta por cómo complementa nuestra propia imagen. Si el factor "yo" no coopera con el arte ir al museo será una carga.
2. Pretender que estamos comprando obras de arte constreñidos por un determinado presupuesto. Cowen plantea visitar el Met pensando en las obras que compraríamos con 20 millones de $ o medio millón. Esta alternativa implica tener una noción o informarse sobre los precios de las obras de arte. Cowen propone internet o las casas de subastas para aprender sobre precios. Este punto 2 nos permite focalizar nuestra atención en obras menores, dependiendo del presupuesto, y de nuevo interviene el factor "yo".

3. Si se trata de una exhibición importante, saltarse la primera sala directamente. Hay demasiada gente (dice Cowen que todavía no han admitido que no les importa lo que hay colgando de las paredes) y se disfruta más del arte si la experiencia es relajada.

4. Al final de la visita, preguntarse qué obras son las que más nos han llamado la atención. Al cabo de una semana plantearse la misma pregunta. Entonces es cuando debemos profundizar en los autores o períodos que nos han venido a la memoria, en lugar de hacerlo antes de ir al museo.

Tampoco es que Cowen esté descubriendo el fuego con estos consejos, yo ya seguía el primero antes de leerlo, pero no dejan de ser curiosos. Es cierto que nuestra atención se extingue tarde o temprano. Yo estoy saturado de arte después de 2 o 3 horas. Puedo seguir procesando un poco más, pero duele. Llega un punto en el que, como dice Cowen, las personas que pasean por el museo pasan a ser tan interesantes como las obras que cuelgan de las paredes.

Cowen también destaca que los museos no están hechos principalmente para los visitantes. En Estados Unidos los donantes son una fuente de ingresos más importante que las entradas, y las preferencias de los donantes juegan un papel preponderante a la hora de dar forma al museo. Donantes y visitantes no comparten exactamente los mismos fines. Los visitantes quieren que el museo sea entretenido y fácil de visitar, pero los donantes quieren que el museo confiera status. Cowen recomienda hacerse a la idea de que los museos no están hechos para hacernos felices.

El Met

El Metropolitan Museum de Nueva York me dejó anonadado. Es como la National Gallery, el British Museum y parte del Tate juntos pero mejor. El Louvre ocupa un tercio de su superficie. He estado en muchos museos de arte y éste me ha parecido el museo de los museos, hecho a la medida de sus colecciones, cada sala adaptada perfectamente a su contenido. 5.000 años de historia, 2 millones de piezas, arte de todos los rincones del mundo.

Por supuesto, como casi todas las instituciones artísticas en Estados Unidos, la financiación del Met es básicamente privada. El edificio es propiedad del ayuntamiento, pero las obras pertenecen a una fundación sin ánimo de lucro y los subsidios públicos representan alrededor de un 15% de su presupuesto, un porcentaje bajísimo para los estándares de la Europa continental.

La entrada al museo tiene un precio sugerido de 20 dólares. Puedes pagar $1 si quieres. Como una camarera y un taxista ya me habían clavado bronca por no dejar propina (no es por ser catalán, es que no acabo de acostumbrarme a esto de dejar propina sin que se lo curren), esta vez pensé que más valía pagar lo sugerido. Cometí el error del turista pardillo.

Teniendo en cuenta que la financiación del museo es mayoritariamente privada, la entrada tiene un precio sugerido, las obras constituyen la colección de arte más importante de Occidente y las instalaciones se adaptan a ésta exquisitamente, me pregunto qué tiene que ofrecerme el modelo estatalizado europeo que no me ofrezca, mejorado, el modelo privado o semi-privado americano. Tampoco creo que el Met sea una excepción, los museos en Estados Unidos tienen una fama notable, tengo un buen recuerdo de los museos que visité en Washington D.C. hace años y el Moma neoyorquino, que visité hace unos meses, me pareció igualmente extraordinario.

En definitiva, el Met no es un museo cualquiera, vale mucho la pena. Es imposible verlo entero en un día, y yo estuve solo una tarde. Vi la colección de pintores impresionistas, la sala de arte moderno, el tempo de Denbur, el jardín chino de Astor Court, el jardín de esculturas en la azotea, y varias salas sueltas de diseño y pintores americanos.

Posteo algunas fotos que tomé desde el jardín de esculturas, que renuevan cada año:

Reseña de mi libro en Libertad Digital

Juan Ramón Rallo reseña mi libro, La comunicación en una sociedad libre, en el suplemento Libros de Libertad Digital.

Ahora bien, La comunicación en una sociedad libre no se limita a exponer las críticas que, desde un punto de vista ético y liberal, cabe dirigir contra la regulación estatal actual, sino que muestra en todo momento las consecuencias negativas que esas intervenciones tienen sobre el bienestar de los individuos. (...)

Por lo expuesto hasta el momento podría parecer que estamos ante un manual frío y sistemático en el que se enumeran punto por punto los problemas del sistema normativo vigente. Pero, aparte de su claridad y agilidad narrativa, ya mencionada, La comunicación en una sociedad libre está plagada de ejemplos históricos y casos concretos, para que el lector pueda crearse una imagen mental más comprensible y asimilable de la teoría que se defiende.

Rallo, autor del blog Todo un Hombre de Estado, lo llama "El manifiesto libertario de la comunicación", en referencia al manifiesto de Murray Rothbard. La verdad es que hubiera sido un buen título.

El libro puede comprarse en la tienda del Instituto Juan de Mariana. Podéis consultar el índice y la introducción en pdf aquí. Echad también un vistazo a la portada, gentileza del amigo Fonseca.

Nota: tengo problemas de conexión en casa y estoy cambiando de proveedor de internet, así que es probable que postee con menos frecuencia durante unos días.